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Documental

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por Daniela Paz (@dnlpz)

What Happened, Miss Simone? es un nuevo y esperado documental original de Netflix y nos muestra a Nina Simone desde su vida cuando era una niña pianista prodigio, hasta la icónica cantante y apasionada activista, narrada en sus propias palabras.

Su creadora Liz Garbus, nominada al Premio de la Academia por el documental The Farm: Angola, USA, es una de las directores de documentales líderes en Estados Unidos y cofundadora de Moxie Firecracker Films, sello bajo el cual ella ha producido más de 15 documentales.

Nina Simone, que fue tanto pianista con formación musical y cantante en bares de mala muerte como ícono del poder negro y legendaria artista, vivió una vida de brutal honestidad, genio musical y tortuosa melancolía.

El documental usa cintas de audio nunca antes escuchadas, grabadas durante el transcurso de tres décadas y podremos verlo este 2015 a través de Netflix.

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por Daniela Paz (@dnlpz)

Este documental, nominado a los premios Oscar, es una cinta sobre el Parque Nacional de Virunga, un sitio Patrimonio de la Humanidad de la Unesco en África Central, y la relación de un equipo de guardaparques con los últimos 800 gorilas de montaña del mundo.

El trabajo de los guardaparques en la República Democrática del Congo también se amplía a frenar las fuerzas invasoras de la industria, la caza furtiva, la corrupción y la guerra.

Virunga debutó en el Festival de Cine de Tribeca 2014, ganando una nominación como Mejor Documental, y fue nombrado como el Favorito de la Audiencia en el Hot Docs Film Festival y como lo Mejor del Festival en AFI Docs, entre otros premios. Lo podemos ver en Netflix.

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por Sundance Channel para Zancada

El documental A Small Section of the World cuenta la historia de las mujeres de ASOMOBI, una cooperativa de producción de café en Costa Rica; Lesley Chilcott, directora de la película, nos respondió algunas preguntas sobre esta historia que nos muestra a mujeres al mando del mundo del café.

¿Cómo apareció ASOMOBI en su vida?
Llegué a conocer a este grupo de mujeres a través de la empresa cafetera Illy de Italia, que les compra su café desde hace muchos años. Ellos hacen algo muy inusual: envían a agrónomos a las plantaciones de las que compran granos. Muchas veces ellos llegan de vuelta con historias asombrosas sobre los productores y la historia de ASOMOBI les llegó muchas veces. Entonces Illy se contactó con Greenlight Media & Marketing de Los Ángeles y ellos se contactaron conmigo. Cuando me enteré que era una historia de mujeres cambiando su pueblo a través de la producción de café en Costa Rica, dije yo tengo que esto, tengo que contar esta historia.

¿Cuánto tiempo tomó el documental?
El documental tomó cerca de seis meses de filmación. Lo interesante es que al principio íbamos a hacer un corto, pero la historia de estas mujeres era tan interesante y tenía tantos giros que decidimos hacer una película más larga.

¿Investigó sobre el mundo del café antes de comenzar con el proyecto?
No soy bebedora de café y ese fue precisamente uno de los motivos por los que quise ser muy detallista en el proceso de producción del café. Lo que aprendí fue muy interesante en dos aspectos. Por un lado, estamos desconectados del proceso, pero sobre todo de la cantidad de trabajo y de cuánta gente hay detrás de una taza de café. Pero también entendí que el café representa mucho más a la gente que una bebida, representa amor y familia. Es una bebida con mucho significado y quería capturar eso en la película.

¿Qué mensaje quiere dejar con este documental?
Para mí hay tres mensajes que son muy importantes. Uno es que estamos en una cultura demasiado dinámica y necesitamos detenernos un momento a pensar en todo el trabajo duro que hay detrás del alimento que consumismos todos los días. El segundo es para que las mujeres de todo el mundo que no tengan miedo de arriesgarse a enfrentar desafíos que no conocen. Si estas mujeres no se hubieran arriesgado no sé qué hubiera pasado con su pueblo. Y el tercer mensaje es mostrar la necesidad de dejar un mundo mejor para las generaciones futuras.

El documental se estrena hoy sabado 7 de febrero a las 22 hrs. en Sundance Channel.

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museoprecolombino

Qué: Se proyectarán videos documentales en una pantalla gigante dispuesta en el patio sur del Museo Chileno de Arte Precolombino, las obras serán presentadas por sus directores: Juan Ignacio Sabatini, Matías Cardone, Claudio Mercado y Gerardo Silva. El Museo Chileno de Arte Precolombino y Market Chile presentan la actividad.
Cuándo: 7 y 8 de enero
Dónde: Patio Sur del Museo Chileno de Arte Precolombino (Bandera esquina Compañía. Metro Plaza de Armas).
Cuánto: entrada liberada.
Cartelera:

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superduperalicecooper
por Galia

Sundance Channel recibe el Año Nuevo con el estreno de Super Duper Alice Cooper, un documental que captura el ascenso, caída y resurrección de uno de los artistas más inolvidables del mundo de la música. El documental relata la vida de Alice Cooper, desde su infancia como hijo de un párroco, hasta su consagración como estrella de rock. Su vida llena de escándalos, su auge en los 70′ como el rey de lo macabro y sus mejores shows están presentes en el film que retrata su carrera y reivindica así su lugar dentro de las grandes leyendas vivas del rock and roll.

El documental cuenta con la participación de iconos musicales como Elton John, Bernie Taupin, Johnny Rotten e Iggy Pop, entre otros. El film se estrenó en el Tribeca Film Festival 2014. Super Duper Alice Cooper cuenta con una propuesta bien innovadora, con una estética rockera, donde se recrea la vida de este mítico grupo que tuvo su peak de fama en los años 80, pero que tienen un largo historial en el mundo del rock interpretativo. La historia se centra en el vocalista de Alice Cooper, llamado Vincent Furnier, y parte recreando sus inicios, desde su infancia y adolescencia, siendo hijo de un padre religioso, hasta que en la época universitaria comenzó armando la banda y haciendo performances rupturistas, que captaron la atención inmediata de los fans y de la crítica.

La puesta en escena de la banda fue lo que más cautivó, teniendo presentaciones extremadamente excéntricas, con animales en vivo, serpientes, guaguas descuartizadas, sadomasoquismo, desde lo más asqueroso a lo más polémico, todo acompañado de un vestuario apoteósico, peinados y maquillaje bizarros, que lograron atrapar las miradas de la gente, siendo una propuesta muy vanguardista para la época.

El documental narra la historia de Furnier, el que luego se convirtió en la imagen y centro de Alice Cooper, y de cómo la banda alcanzó el éxito en los años 70 y luego 80s y 90s, hasta la debacle, cuando Alice cayó en las drogas y tocó fondo. Luego cómo renació y la fama regresó. Vincent relata sus vivencias dentro de la banda Alice Cooper, y de cómo se fue perdiendo en este personaje, creado por él, que tenía mucho de él, pero que en el fondo no era él. Ya poco quedaba de su persona, ya que el personaje de Alice Cooper se lo terminó comiendo.

Puede sonar como la típica historia de una banda de rock, donde la narración se centra en las drogas, sexo y rock and roll. Pero lo que diferencia este documental de los otros tanto de bandas exitosas de esa época, es la forma audiovisual que utilizan sus directores Sam Dunn, Reginald Harkema y Scot McFadyen para recrear los eventos y narrar la historia. Todo está construido con audio original de los protagonistas narrando los hechos, pero en vez de tener imágenes en movimiento que acompañen las narraciones, las imágenes que usan son fotografías animadas.

En el fondo, este documental busca reconstruir la locura de esta banda en un formato muy original y que tiene relación con la estética de Alice Cooper, una representación musical muy lúdica, con mucha intervención, lo que logra revelar la verdadera historia detrás de una de las bandas más excéntricas de las últimas décadas.

Super Duper Alice Cooper; miércoles 31 de diciembre 00.00 hrs, Sundance Channel.

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#concursoZancada por @patyleiva

El Centro Arte Alameda cerrará el año con el estreno exclusivo de la película “A 20 Pasos de la fama”, ganadora del Premio Oscar 2014 al mejor documental. Desde el Jueves 25 de diciembre será exhibida en 3 horarios: 17:00,19:00 y 21:00 hrs

Morgan Neville retrata el mundo de las coristas, quienes están, literalmente, a “20 pasos” de esas estrellas inalcanzables del rock como Bruce Springsteen, Stevie Wonder o Mick Jagger. Hay mucha música, muchos testimonios y grandes trozos de historia, desde el desconocido enfoque de estas talentosas voces que a veces pasan desapercibidas pero que son gloriosas.

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spandauB
por Nader C.

Tener 23 años y hacerla en grande. Una banda de chicos guapos que son gusto de intelectuales y que se dedican, entre otros pasatiempos, a establecer nuevos parámetros para la moda, creando una sofisticada ilusión de clase. Pasar el tiempo subiéndose a escenarios como Robin Hoods de clase media o beduinos proletarios, o ir a romperla a Nueva York junto a un selecto grupo de Blitz Kids, o dormir dos horas para despertar con la piel tostada bajo el sol de Saint-Tropez. Esa misma juventud de la que habla Falco en Junge Roemer: jóvenes romanos, la noche es joven como ustedes.

Spandau Ballet tuvieron todo eso y mucho más, y lo que este documental nos muestra es una especie de guía paso a paso para cualquier banda de adolescentes superficiales con grandes aspiraciones. El talento de cada integrante (porque vaya que lo tenían) era el mecanismo perfecto para hacer funcionar las composiciones de Gary Kemp, quien desde el comienzo figura como líder de la banda. Es el que más habla, casi con rabia, de lo que significan para la nueva escena, aquella que mezcla el New Romantic con el Soul a principios de los ochenta. Kemp es el personaje principal del documental. Vamos pasando la página escuchando sus entrevistas, viendo el ascenso de la banda a través de sus ojos, desde To Cut a Long Story Short (1980) hasta alcanzar la cima con ese zeppelin melódico que es True (1983). Él es el odioso adolescente que a la larga recibe su merecido por haber apuntado su arco hacia el cielo y el que se redime tras pasar por tribunales en un acto que parece sacado de La Orestíada (con coro incluido, claro está). Este documental cuenta la historia de la banda, pero de pasada nos permite observar los efectos de la fama en un joven que se mira al espejo y piensa que será el próximo Elvis.

Pero qué fantásticos que fueron. Cuántos de nosotros crecimos escuchando True, buscando el plato de suflitos en fiestas oscuras donde niños y niñas se sentaban en fila, frente a frente: un solo de sintetizador y guitarra. Y luego siguió Gold, otro monosílabo que significó la consolidación de la banda, que llegó al fin a la cima del Everest para clavar allí su quitasol dorado. Pero al tomar los binoculares y observar las otras cimas, oh desgracia, hay otros tipejos parapetados en otro risco aún más alto. Se llaman Duran Duran, y más allá en otro cerrito, un Boy George con una medallita de Lady Di y aún más distantes, pero no tal alto, unos Human League ascendiendo lentos pero seguros, sin un rasguño en sus trajes de noche. Es el precio de la fama, después de todo. No puedes decir todas esas bravuconerías a la prensa y esperar a no tener rivales en la carrera. Uno de los momentos más notables de Spandau Ballet: Soul Boys of the Western World, es justamente cuando se enfrentan a Duran Duran en el Pop Quiz de la BBC. El hecho de que dos bandas compitan en un show de “conocimiento” sobre música es absolutamente genial, sobre todo cuando también implica el conocimiento de las canciones de la banda rival. Ganan los últimos con marcador 52-40 y los chicos de Spandau se retiran, humillados y furiosos, como cuando los niños se hacen los grandes frente a los demás y de pronto escuchan el grito destemplado de mamá.

Han pasado bastantes años ya desde Through The Barricades (veintiocho, para ser exactos) y debo reconocer que aún me produce escalofríos. El inicio, las risas de los niños, el tambor de la marcha, las campanas y el saxofón, las barricadas de Irlanda del Norte, aquellos a los cuales se les arrebató un idioma, aquellos humillados por la exactitud inglesa encarnada en la figura de Margaret Thatcher. Es una canción profunda, política y de innegable naturaleza pop. Y cuando cantan: And now I know what they’re are saying / It’s a terrible beauty we’ve made (ahora sé lo que dicen, es una belleza terrible la que hemos creado), sé muy bien que bajo todos los ropajes lujosos, dentro de los Bentleys negros camino a algún Live Aid, guardaban muy bien sus libritos de W.B. Yeats, cuidando que no se mojaran con el hielo del champagne. Con eso, me quedo tranquilo.

Acá el trailer de Spandau Ballet: Soul Boys of the Western World:

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por Nader C.

Uno de los grandes motivos de Pulp, a film about Life, Death and Supermarkets, es el del regreso. Partimos escuchando la voz de Jarvis Cocker, hablándole a la multitud: “incluso ahora, que estamos viejos, aún nos ponemos nerviosos” y claro, volver a tocar en tu ciudad natal, tras una tristemente célebre presentación en 1988 en la cual venían a lo grande y habían fallado frente a los amigos, compañeros de colegio y universidad, jefes, familia, gente de la calle que hasta el momento pensaba que eran buenos… no es cosa fácil.

Porque es más fácil dirigirse a una multitud amorfa, cubierta por la niebla del espectáculo bañada en láser verde, que frente a aquellos que te vieron crecer, equivocarte, los mismos que probablemente descubrieron tu escondite secreto en el armario de alguna colegiala precoz.

Ahora el público se queda brevemente en silencio contemplando a Jarvis cambiar una rueda. Le cuesta un poco al principio, pero tras cierto esfuerzo, logra aflojar la primera tuerca. Se arrodilla en el suelo, mira hacia la cámara. El público sonríe.

“¿Cuándo dejas de actuar?”, le pregunta alguien en el documental. Ser consciente de que se actúa, abrazar el exhibicionismo, acentuar los tics y transformarlos en baile. Ese mismo Jarvis que suele amar desenfrenadamente a los amplificadores en This is Hardcore (y los que lo han visto SABEN de lo que hablo), es un tipo que cambia una rueda, anda en bicicleta o bien patea a las palomas para que no les roben la comida que él lanza a los patos, impartiendo su justicia divina y patil. “¿Es una persona común?”, parece ser la pregunta que ronda durante todo el documental. “Tiene mucho potencial para serlo”, contesta Mark Webber, lanzando ese verdadero misil retórico entre alabanzas al sistema de transporte público, mientras Richard Hawley musita algo así como “ese huevón nunca lavaba los platos”, arreglándose el jopo.

“Cuando duermo (dejo de actuar)”, contesta Cocker, y me parece que en su respuesta no suena convencido del todo. Se nota que lo dice para salir del paso, porque tal vez no esté de ánimo para desarrollar tópicos corrientes. Es como hablar de la muerte, tan obvia y tan esquiva. “¿Tienes ganas de envejecer?”, “No es una idea que me fascine demasiado, pero todos vamos para el mismo lado, ¿qué le vamos a hacer, la vida es una carretera en un solo sentido y nos negamos a ver nuestro destino final”. Por eso se piensan cosas como “El arte es la ceniza que queda en tu vida cuando esta arde bien”, vía Cocker con escala en Cohen.

Hace poco comentaba con un amigo el significado de la pérdida a la hora de componer. No estoy seguro de que nos hayamos entendido del todo (pasa en las conversaciones aceleradas, como un Mad Max verbal donde puede pasar de todo), pero me refería a abandonar personas, lugares, objetos o cuando estos te abandonan (hecho relacionado íntimamente con la muerte), entonces –si fueron verdaderamente importantes, para bien o para mal– con el tiempo, irrumpen con su presencia, pero esa presencia parece crecer y estirar sus raíces y conectarse con diversos episodios de tu vida. Entonces todo se ve con otra luz. No creo que se trate de “valorar las cosas”. Si fuese por eso, Jarvis hubiese vuelto a Sheffield (donde adolescentes cuyas manos aún despiden aroma a pescado y lejía, donde te ponen un CD de Pulp para que olvides lo mal que lo pasaste en Londres, etc.) y no fue así… de hecho escapó de allí como de la peste. Pero volvió, ya no como una persona común, claro está, sino como una pequeña estrella, cuyo nombre, bordado en innumerables prendas de ropa interior, resuena en la calle como las botellas quebradas de los borrachos del puerto.

Siendo el foco central de Pulp, a film about Life, Death and Supermarkets, la figura de Cocker se difumina para dar paso a sus colegas de banda, sus percepciones respecto a él y respecto a su propia vida (hasta ver la cinta, no tenía idea de que Candida Doyle había sido diagnosticada con artritis siendo tan joven… fue una de las partes donde el silencio se hizo más pesado en la sala), y también quiosqueros (como ese increíble señor que parecía sacado de El Hobbit), señoras de edad muy animadas y asertivas, algunas viudas, fumando cigarros y confundiendo tíos con padres, sobrinos y primos. A los carniceros les suena el nombre de Jarvis Cocker, a ver si todavía trabaja por ahí, dice uno, mientras otro carga en su hombro derecho la mitad exacta de un cerdo, limpio, sin sangre. La clase obrera en todo su esplendor. La cultura que se les niega la consumen en kilos de carne, porque si vas a estar abajo, créeme que vas a necesitar proteínas para abrirte paso a golpes.

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por Javiera

Conversamos con Lucy Kostelanetz, directora de We Don’t Wanna Make You Dance, documental que forma parte de la competencia de la edición 2014 del Festival Inedit-Nescafé. Le hicimos algunas preguntas sobre esta cinta y sus próximos proyectos:

¿Qué es lo que te fascinó de esta historia?
Fue el “cumpliendo un sueño” lo que quise explorar y lo que la banda pensó que significaba realmente, tanto para la banda como para ellos mismos como individuos.

¿Cómo calificarías esta película, triste o esperanzadora? Pregunto porque a pesar de ser una historia de “fracaso”, introduces momentos graciosos y queribles entremedio.
Me gusta verla como una historia positiva en la que los miembros de la banda tuvieron un aprendizaje en el proceso, lo que le dio a cada uno habilidades reales y resiliencia interior a medida que avanzaban en sus vidas. 

¿Los filmaste en 1983, luego volviste en el 88 y finalmente se vuelven a ver en 2007. Cómo reconectaste con Miller Miller Miller & Sloan después de 20 años? Fue difícil convencerlos de ser parte de una película que muestra un sueño perdido (a pesar de la resiliencia de la banda)?
Hubo cierta ambivalencia entre algunos en el principio. No podían entender por qué seguí encontrándolos tan interesantes. Pero una vez que empecé a filmar fueron maravillosamente generosos conmigo y sentí un poco de validación como algo positivo en toda la experiencia de banda.

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por Daniela Paz (@dnlpz)

El Proyecto Quipu aborda el caso de las masivas esterilizaciones forzadas aplicadas como parte de una política pública a mediados de los 90 en el Perú.

Este documental, dirigido por la chilena María Court, busca relatar las repercusiones del programa Nacional de Planificación Familiar y Salud Reproductiva que fue introducido por el gobierno del entonces presidente Alberto Fujimori, el que fue promocionado como una manera de proveer acceso a una amplia gama de métodos de control de natalidad, incluida la esterilización voluntaria.

Pero este documental, muestra que la esterilización fue efectuada de forma agresiva en comunidades indígenas, rurales y empobrecidas. En muchas ocasiones el consentimiento fue manipulado o estuvo ausente. Existen testimonios de personas que fueron forzadas por el cuerpo médico, o esterilizadas sin su conocimiento mientras estaban en el hospital por otro motivo. Para el año 2000, más de 300.000 mujeres y 20.000 hombres fueron esterilizados.

Para aportar a este proyecto se puede hacer por medio de una campaña online de crowdfunding, durará hasta el 19 de diciembre y pretende juntar £20,000 (20 mil libras, casi 20 millones de pesos). A continuación un video explicativo: